на своих миниатюрах с присущим ей мастерством передает блеск жемчуга.
Дочь кружевницы. По предположению ряда исследователей, училась у своей матери и начинала как декоратор табакерок из слоновой кости (предназначавшихся для продажи туристам); отсюда — её интерес к портретной миниатюре.В возрасте 25 лет за свои работы была избрана в гильдию художников — Академию Святого Луки в Риме. В 1716 году познакомилась в Венеции с крупным финансистом и знаменитым коллекционером Пьером Кроза и по его совету в марте 1720 года вместе с семьей переехала в Париж, где её пастели имели огромный успех, став одним из импульсов для нарождающегося искусства рококо. Во французской столице получила заказ на 36 портретов членов королевской семьи (в том числе написала портрет юного Людовика XV — одну из лучших своих работ). В Париже она вела дневники и обширную переписку, познакомилась с Ватто, написала его портрет. Её учеником в Париже стал самый яркий представитель рококо в шведской живописи Густаф Лундберг. В том же году была избрана членом Французской Королевской Академии живописи; в следующем (1721) году вернулась в Венецию, в свой дом на Большом Канале. В 1730 году Каррьера покинула Венецию, 6 месяцев работала в Вене, при дворе императора Карла , её ценителя и патрона. Ученицей Каррьеры в Вене была дочь Карла VI, будущая императрица Мария Терезия.

Работы Каррьеры были необычайно популярны в Европе при монарших дворах и у знати, секрет этого успеха понятен, — все её портреты исполнены нежнейшего очарования, её персонажи — улыбчивы, красивы (и весьма приукрашены), их внутренний мир полон тонкого очарования, женственности, легкости (столь близкими художественному мировоззрению рококо).К 1750-м годам художница потеряла зрение: две операции по удалению катаракты не помогли, и художница до конца дней осталась слепой. В XIX и начале XX века на волне феминистского движения были созданы несколько её биографий, немецкая писательница Микаэла Яри написала о ней исторический роман.


Портрет известной веницианской красавицы Катерины показывает ее носящей воротником изящную нитку жемчуга и висячие жемчужные серьги. Все это придает женщине нежность, тонкое очарование и женственность. Перламутровый тон жемчуга отливает характерным для пастели мягким сероватым оттенком и придает лицам героинь Розальбы свежесть и изысканность.

© https://www.livemaster.ru/topic/3247298-blog-zhemchug-v-zhivopisi

«Женщины моря» фотопроект Iwase Yoshiyuki

Его фотографии крайне привлекательны и как произведения искусства, и как свидетельства ушедшей эпохи.

Йошиюки Ивасе (Yoshiyuki Iwase) родился в 1904 году в рыбацкой деревне Онжуку (Onjuku) на Тихоокеанской стороне полуострова Чиба (Chiba), отделяющего Токийский Залив от океана. Окончив университет Мейджи по специальности юриспруденция в 1924, он посвятил себя управлению семейной фабрикой по производству саке, а в свободное время запечатлял уходящие традиции старой Японии.

В конце 1920-х годов Ивасе получил в подарок свою первую камеру Кодак. Жизнь Онжуку была неразрывно связана с морем, его тянуло на побережье, и скоро он нашел свою страсть – «простую, даже примитивную красоту ама». Ама – девушки и женщины собирающие морские водоросли, моллюсков и жемчужины в прибрежных водах.

Когда Ивасе начинал снимать Ама, в Онжуку и соседних деревнях этим ремеслом занималось около 200 девушек и женщин. В конце 1960-х годов все они исчезли. Его фотографии остались одним из самых подробных документов, описывающих жизнь ама.

Снимал Ивасе и местных рыбаков, сцены из жизни своей деревни и побережья. И еще его считают пионером в фотосъемке обнаженной натуры в Японии. Но, к сожалению, до нас дошла лишь малая часть его работ – многие оригинальные отпечатки и негативы после смерти Ивасе (2001 год) были потеряны.

Начиная с 1933 года у него было много персональных выставок, включая шесть на полуострове Чиба и две в Токио. В 1976 он участвовал в фотовыставке 100-го года (100th Year Photo Exhibition) в Токио, спонсируемый Сообществом Фотографов Японии. За время жизни он получил большое количество премий и призов разного уровня.

Ивасе был семейным человеком, делясь свой страстью к фотографии со своей женой в течение более чем 60 лет. Он ушел в 2001 году в возрасте 97 лет. В своем родном городе Ондзюку его почитали как старейшего жителя города и главного жертвователя местного этнографического музея.

Его работы содержатся во многих коллекциях в Японии и за ее пределами, наибольшее количество работ находится в Музее Фотографии Токио (Tokyo Metropolitan Museum of Photography).

Два сборника его работ были опубликованы в Японии. Первый, сейчас коллекционный, был небольшим частным изданием, и был посвящен женщинам- ама. Второй, исправленный и дополненный, был опубликован в 2002 году. В начале 2008 года вышла монография Йошиюки Ивасе на английском языке.

Официальный сайт Йошиюки Ивасе: www.iwase-photo.com













Источник информации https://photar.ru/zhenshhiny-morya-fotoproekt-iwase-yoshiyuki/
https://photographers.ua/topic....sy-4603
http://anthonylukephotography.blogspot.com/2011....ma.html

Официальный сайт https://www.kozyndanart.com
Арт-коллекция  https://www.artcollectorz.com/artists/artist-detail?artist_id=234

Kozyndan - творческий дуэт иллюстраторов из Лос-Анджелеса, существующий с 2002-го года. Они активно смешивают в своих работах традиционное японское искусство и современный поп-арт. У Kozy и Dan’а за время совместной творческой деятельности прошло более двадцати персональных выставок в США, Австралии и Японии.

Kozue Kitchens родом из Yamanashi, Япония. Dan Kitchens родился в Long Beach, Калифорния. Оба изучали иллюстрацию в Калифорнийском университете в Фуллертоне. Сами себя художники называют «сумасшедшими учеными». Их творчество очень разнообразно, от психоделических работ, ярких и красочных, до элегантных и поэтических зарисовок.



В подборке ниже картины, которые были представлены на выставке Washed Away в Outré Gallery. Работы посвящены морю и японским девушкам-ныряльщицам ама, обнаженным ловцам жемчуга. Вдохновленные изображением моря в классических японских иллюстрациях, художники показывают мощь и силу моря, воспевают его красоту и загадочность.


Bonding Time

Courtship


Descent


Drowning Party


Finding Warmth Together


Rangda Emerging From The Sea


Seaweed Turtles


The Kachido


Tossed


Wreckage

Доп.источники информации:
https://crea87.livejournal.com/563552.html
https://app.emaze.com/@AOZORLIC#2

Родилась в  Филадельфии,  в  1948  году.  В возрасте 16 лет она была принята в Академию изящных искусств в Филадельфии.  К сожалению, через несколько месяцев учебы  в Академии, где  был  акцент на абстрактный экспрессионизм, который  оказался  ей скучным,  она  стала  пропускать занятия и проводить больше времени в университете Пенсильвании.   Новый интерес к археологии существенно повлиял на ее последующие работы.

В 1969 году она переехала в Итаке, штат Нью-Йорк, а затем  жила в Вудстоке.

В 1983 она переехала в Париж.  Где  её  работы  были  выставлены в галереях Пьер Hautot.

В  настоящее  время  Jane Whiting Chrzanoska   живет  в  Хаммонтоене, Нью-Джерси, США. Преподает и работает в своей новой студии.

Является членом художников Equity Ассоциации, организации, которая стремится защитить авторов от недобросовестных арт-дилеров.
О художнице https://jmw-chrz.pixels.com



   Solitare/ Пасьянс

  Mermaid/ Русалочка

Jane Whiting Chrzanoska - Official Website

   The Mask/ Маска

Доп. информация https://fineartamerica.com/profiles/jmw-chrz
https://americangallery21st.wordpress.com/categor....ka-jane

Картины авторские

Тёмной ночью когда лишь сверкали звезды и на небе сияла одинокая луна на океан спустились ангелы, и в глубину бездны спрятали небесный дар, не похожий ни на кого…И ангелы сказали — «что только любящее и смелое сердце сможет почувствовать и найти этот дар, что лишь умный сможет по достоинству оценить и принять. И лишь мудрый сможет научиться дорожить тем, что так тяжело достаётся… И тот кто пройдет весь путь испытаний сможет обрести его. Дар который исполняет заветное желания и дарит прекрасное.»
Это таинственное и удивительное сокровище, которое так тщательно скрывается в самых далеких подводных пучинах называется «Жемчужина – Дар Морских Глубин»
Подводных мир таит в себе весь загадочный ассортимент нескончаемого клада. Тихий, но в тоже время небрежно — волнистый город, стал тенью для прелестной Жемчужины, и лишь некоторым смельчакам предстоит еще пройти этот путь испытаний.
Холодные и неспокойные волны, разновидные странные морские обитатели, яркие коралловые рифы и водоросли изумрудных оттенков, тихо рассказывают жемчужине свое нелегкое бытия, грустя колыхает своим шепотом и переменчивым характером…
Очень интересно, что именно Жемчужина олицетворяет лунное начало, она есть владычица управлением приливами и отливами над водами и всей способности вод, женское начало океана, свет среди темноты, символ посвящение, рождения и возрождения, справедливости, и конечно, безусловно, есть доброе предзнаменования.
Особый перламутровый оттенок и идеальная округлость формы стали символом совершенства, редкой красоты, благородства и нежной утонченности.
Потребуется немалый труд, смелость, терпения, твердый и не сомневающийся характер чтобы с опасностью для жизни, достать жемчуг со дна моря.
Образ картины Жемчужина — дар морских глубин , как Истина, потому спрятана в раковине, и это, безусловно, придает ей особую ценность.

Авторский сайт  https://guryanova-art.com/

Я художник Гурьянова Анастасия. Создаю авторские картины, портреты маслом, акрилом в разных стилях и техниках, рисую на заказ, расписываю стены, участвую в художественных выставках, показах не только картин но и в таком стиле как “body art”, бодипейнтинг” (росписи тела).
Продаю свои работы, а также занимаюсь обучением рисованию и провожу мастер-классы.
Окончила Черкасский Национальный Университет имени Богдана Хмельницкого, и получила высшее художественное образование, изобразительного, декоративно-прикладного искусства и социальной работы.
Специальность: профессиональный художник мастер, дизайнер интерьеров, компьютерной график.
После окончания учёбы, училась и работала в частной иконописной мастерской.
Там получила дополнительное ремесло: Художник – Иконописец.
Моё свободное творчество началось с 2014 года, где начала принимать активное участия в художественных и благотворительных выставках, акциях, арт фестивалях, конкурсах.
По сей день развиваюсь в творчестве.
Сейчас моя художественная роспись стен украшает гостиницы, кафе, рестораны, магазины, салоны красоты, офисы, интерьеры квартир и домов.
А картины находятся в личные коллекции любителей не только в Украине, но и России, Германии, Латвии, Узбекистане, Португалии…
Всем, что кажется мне интересным и важным в мире Аrt , я делюсь с Вами в этом блоге
A R T Gallery |Художник Гурьянова Анастасия
Так же, я размещаю здесь свои статьи по творчеству и обзоры по рисованию. Раздел Галерея содержит мои работы. Приятного просмотра).
Художник Гурьянова Анастасия

Первоисточник  https://guryanova-art.com/художник/





картина Калейдоскоп восточных метаморфоз «Дверь в путешествие»

Доп.информация
https://vk.com/guryanova_art
https://veryimportantlot.com/ru/gallery/view/anastasia-guryanova-1936

Профессиональные навыки: владею разными техниками и приёмами живописи (классическая, импрессионизм, абстракционизм, рельефная живопись и др.) Разработала ряд авторских методов обучения детей и взрослых и с успехом применяю их на практике. Автор и ведущая тренингов «Интуитивная живопись», «Раскрытие творческих способностей», «Научись рисовать чувствами», «Рисовать — как мечтать».
Предпочтения в работе: Экспериментальная живопись (работа с различными фактурами, текстурами и материалами)
Живопись (масло, акрил, акварель, пастель, смешанная техника).

О себе:

Жизнь полна открытий.  Мне нравится делать открытия в себе и в людях, которые приходят ко мне. Я уверенна, что у каждого в потенциале есть всё необходимое для осуществления перемен и достижения успеха. Те, кто приходят ко мне на занятия замечают, что наполняются особой энергией действия. Люди, прошедшие мои тренинги чувствуют «теперь и это в моих силах».

Моя цель показать людям возможности использования своих внутренних ресурсов и научить людей достигать своих целей так, чтобы испытывать от этого максимальное удовольствие.

Образование: Профессиональное художественное, педагогическое, Арткоуч, Арт-терапевт.

Алена Островская



Островская Алена Антоновна (род. в 1973 г., Караганда), дочь художника, в детстве стала победителем многих международных конкурсов рисунка. Закончив с отличием художественную школу, в 1995 году она стала выпускницей художественно-графического факультета Карагандинского государственного технического университета (бывш. КарПИ).

Алена Островская – яркий и талантливый художник, владеющий самыми разнообразными стилями и техниками, ей подвластны классическая живопись, импрессионизм, абстракционизм, рельефная живопись и др. Её работы нередко увлекают в мир фантазии, вымысла и дарят выразительные образы ангелов, мифических существ, параллельных миров и, возможно, некоторых прозрений в будущее.

Как профессиональный художник-педагог она разработала ряд авторских методов обучения детей и взрослых и с успехом применяет их на практике. Автор и ведущая тренингов и мастер-классов: «Интуитивная живопись», «Раскрытие творческих способностей», «Научись рисовать чувствами», «Рисовать – как мечтать», «Визуальный язык в бизнесе или узорология». Среди её учеников есть профессиональные художники, многие учащиеся сумели реализовать свою способность выражать мысли с помощью кисти и красок как художники-любители.

С 2016 года А. Островская является президентом художественного фонда «АртОткрытие». Художница рассматривает жизнь, как процесс, полный открытий: «Мне нравится делать открытия в себе и в людях, которые приходят ко мне. Я уверенна, что у каждого в потенциале есть всё необходимое для осуществления перемен и достижения успеха».

Алена Островская – участница многочисленных выставок в России и за рубежом. Её работы находятся в музеях мира и частных коллекциях.

Галерея    http://nowimir.ru/GAL/066014.htm

Авторские страницы   https://intuit-painting.ru , https://artdoart.com/users/alena-ostrovskaya-192



За мечтой

Наши мечты создают нашу реальность. Акварель, пейзаж, лодка, девушка.



За пеленою сна

Из серии фантазийный работ на тему снов. Что есть сон, а что реальность? Работа выполнена в технике АКВАРЕЛЬ.



Любовь

Одилон Редон (фр. Odilon (Bertrand-Jean) Redon, 20 апреля 1840, Бордо - 6 июля 1916, Париж) – французский художник и график. Ровесник импрессионистов, Редон избрал собственный путь и неповторимый способ борьбы с академической традицией: символизм и фиксацию самых невообразимых образов, рожденных воображением.

Биография https://ru.wikipedia.org/wiki/Редон,_Одилон



Ракушка. 1912



Дух-хранитель вод

Особенности творчества художника Одилона Редона: визионер, созерцательный наблюдатель, Редон пристально изучал окружающий мир, чтобы убедительно выстраивать образы, подсказанные ему воображением, интуицией, фантазией. Редкий случай, когда жизнь художника делится на два очевидных периода: черный и цветной. До 50 лет Одилон Редон работает только углем и в технике литографии – это период «нуаров», фантастических существ и больших летающих голов, улыбающихся и плачущих пауков. После 1890 года в его работы хлынул безудержный, гармоничный, фантастически организованный цвет. Художник начал писать маслом и пастелью - все те же воображаемые, чудесные видения, устроенные строго по законам природы.

Известные картины Одилона Редона: «Дух-хранитель вод», «Улыбающийся паук», «Циклоп», «Дух леса (Призрак из гигантского дерева)», «Глаз-воздушный шар», «Закрытые глаза».

Фантасмагорические сущеста, то ли животные, то ли растения, летающие глаза и парящие зубы, пауки с человеческими лицами, духи, летящие над водой, и древние боги, ступающие по расцветающим небесам. Лодки посреди неопределенной стихии, закрытые глаза бесполых существ, выплывающих над горизонтом. Одилон Редон с импрессионистической точностью и страстью фиксировал пейзажи и состояния мира. Только мир этот существовал в его воображении. С той же слепящей одержимостью, с которой ровесник Редона Моне ловил солнечные блики на листве тополей, Редон всматривался в шевеления первобытной материи, из которой возникают неопределенные формы и невиданные существа.

Художник, которого легко заподозрить в декадентских экспериментах с психотропами или в злоупотреблении абсентом, был на самом деле страстным читателем, любителем ествественных наук и музыки, счастливым мужем и отцом, преданным учеником и другом. Это был человек, который записал однажды в дневнике: «Какое счастье – читать в тихой комнате у распахнутого окна, за которым простирается лес».

Одинокий мечтатель

Тишина и одиночество были любимыми играми Бертрана-Жана Редона. Одилоном мальчика начнут называть позже – ласкательное имя, производное от имени его матери Одилии, постепенно заменит полученное при рождении. Отец Редона был искателем приключений и богатства, он отправился в Новый Орлеан осваивать и рубить леса в надежде разбогатеть и вернуться во Францию, жениться и обзавестись большим домом. В 1840 году он будет плыть через океан домой с богатством куда большим, чем рассчитывал добыть. С ним сын и беременная жена. Второй мальчик у Редонов родится спустя пару недель после прибытия во Францию, но что-то с ним будет не в порядке.

Большое одинокое поместье в Медоке, окруженное виноградниками, непролазными рощами, зарослями дикой ежевики и вереска, станет для него домом на ближайшие 10 лет. Болезненного и слабого, Одилона оставят на попечение няни и дяди, который занимался еще и хозяйственными делами в поместье. Он будет мечтать и грезить, закутавшись в тяжелые плотные шторы, он будет бродить по полям и с утра до вечера лежать в траве, разглядывая облака и отыскивая в их очертаниях силуэты диковинных существ. Стыдились ли родители каких-то проявлений его детской болезни или просто не захотели возиться с нездоровым ребенком – но до 11 лет Одилон прожил без них. И практически без людей.

Но с людьми стало только хуже. С 11 до 18 лет Редон сменит две школы-пансиона, в которых изнывает от беспорядочных знаний, от злости и обиды на бесполезность происходящего. Пока не встретит настоящих, искренних, вдохновляющих учителей, которые каждый на свой лад откроют Одилону радость узнавания, переживания красоты, близких человеческих отношений.

Три учителя

Семь школьных лет были бы для мальчишки чистым злом и бесполезной тратой сил, если бы в свободное от занятий время он не начал заниматься в мастерской акварелиста Станисласа Горина. «Ты – художник, - заявил тот ученику, - а потому не должен сделать ни единого карандашного штриха, если за этим не стоят эмоции и мысли». Законы света и копирование, эмоции и поэтические комментарии, изучение природы и выставки, которые Горин самостоятельно умудрялся устраивать в провинции: привозил в Бордо картины Милле, Коро и Делакруа. «Когда я отправился в Париж, чтобы более подробно изучить работу с живой моделью, было, по счастью, уже поздно: я уже сформировался. Я почти не отклонился впоследствии от влияния этого первого романтического и увлеченного учителя», - напишет Редон позже в дневнике.

Ботаник Арман Клаво был старше Редона на 12 лет – и его влияние на будущего художника было мощным, определяющим. Теория Дарвина, едва вышедшие из печати книги Флобера и Эдгара Аллана По, «Цветы зла» Бодлера и драматические жесты рук на картинах Делакруа, бесконечно прекрасные, тщательно рассортированные гербарии, буддизм и индуистские поэмы, его собственная теория о связи растительного и животного мира – обо всем этом Одилон узнает от старшего друга. Вкусы, страсть к чтению, увлечение наукой, мировоззрение Редона определились в этой дружбе. Когда Арман Клаво умер, Редон был признанным художником, основателем Салона независимых, автором блестящих серий графических работ. Когда Арман Клаво умер, Редон написал первую цветную работу маслом. Когда Арман Клаво покончил с собой, 50-летний Редон записал в дневнике: «Я вдруг почувствовал, что утратил опору. Он, который был старше меня, чье образование было строго научным, несмотря на его идеализм, он был скалой. Я прислушивался к нему».

С официальными учителями Редону не везло – они игнорировали его непонятный дар. Он провалил экзамены, когда попытался учиться на архитектора по требованию отца, он в течение года не очень успешно пробовал заниматься скульптурой, он с дрожью и бьющимся сердцем замирал, когда его учитель живописи, знаменитый салонный художник Жан-Леон Жером, подходил к мольберту, чтобы сделать нетерпеливые, яростные правки, не сдерживая раздражения. В этих затянувшихся бесплодных поисках встреча Редона с литографом Родольфом Бреденом была решающей. Бреден не просто обучает технике литографии и гравюры, Бреден верит в индивидуальность Редона и в его странные мечты. Под впечатлением от работ учителя и его художественных взглядов Одилону удается найти собственный путь, на котором искусство не довольствуется изображением видимого предмета, а «превосходит, озаряет или расширяет предмет и уводит дух в область таинственного».

Область таинственного

На франко-прусскую войну Одилон Редон пошел добровольцем, к удивлению родных и друзей. Он не был бойцом и борцом, не любил навязанных дел и развлечений, читал и ходил на концерты, жил на Монпарнасе, а на лето уезжал в то одинокое поместье, где провел детство. «Когда я один, я люблю широкие дороги. Здесь я разговариваю сам с собой. Я иду свободно и легко, и мое тело не мешает моему духу. Он рассуждает, он доказывает, он заваливает меня вопросами. Но когда я говорю с Богом, я предпочитаю непролазные тропы, по которым не ступала нога человека. Я ступаю по сырой земле – и каждое прикосновение ветвей, царапающих мое лицо, вдохновляет меня; камни, кусты, усыпанные ежевикой, могут остановить меня только для того, чтобы я мог говорить с ними. И даже в дремучих лесах, я люблю бури и проливные дожди, холод, лед и снег», - писал Редон. И похоже, война была для него серьезным разговором с Богом, разговором на повышенных тонах.

В мастерской Редона на стене – гравюра Дюрера «Меланхолия». Это ориентир, мантра, великая песня, которой он сам «вторит, но лишь коротенькой песней, в несколько тактов». За его дверью бушуют бои за новое искусство – импрессионисты устраивают выставки и борются за важность сиюминутного. Редон же берется за альбомы литографий, в которых удаляется от современности и сиюминутности предельно далеко – к началу мира, к первозданному хаосу, из которого может родиться любая невероятная форма, любое невиданное существо.

Редон фиксирует картины своего воображаемого мира долго и настойчиво, не стремясь к славе и утверждению новых идей в искусстве. Он выпускает альбомы литографий по мотивам поэмы Флобера «Искушение святого Антония», «Посвящение Гойе», по рассказам Эдгара По. Его первые выставки проходят в редакциях революционных художественных изданий, его первыми поклонниками становятся писатели и поэты, Малларме восхищают те длинные названия, которые Редон дает работам. Редон вызывает гнев натуралистической литературной школы (ведь они за правду жизни, жестокую и бескомпромисную) и становится своим среди символистов. «Во мне предполагают куда более аналитический ум, чем на самом деле. Это, по крайней мере, отчасти объясняет любопытство молодых писателей, посещающих меня. Я вижу, что они всегда несколько удивлены, сталкиваясь со мной. Что же такого вложил я в свои произведения? Почему они наводят их на мысль о предельной изысканности? Я просто приоткрыл дверцу в тайну. Я создал вымысел. Их дело пойти дальше», - говорил Редон.

Идти дальше

Первые пастельные рисунки Одилон Редон сделает в 1880 году, во время медового месяца. Художнику 40 лет, он никогда до сих пор не использовал цветные материалы, только уголь и черно-белую печать. О его браке с Камиллой Фальт и семейной жизни биографы говорят скупо: он был невероятно счастливым, на удивление счастливым. Кроме трех лет сложного душевного кризиса, прошедших после смерти первого сына до рождения второго. Камилла вела переговоры с прессой и дилерами, поддерживала связь Одилона с бельгийскими символистами. Редон писал Камиллу до конца жизни.

Цветной период начинается, когда художнику 50. Он берется за масло и пастель и отказывается от угля и литографии. Он знакомится с Гогеном и художниками группы «Наби». Его когда-то черно-белый Будда теперь ступает по фантастическим цветам неземного происхождения, его мистические лодки несутся под яркими парусами, а влюбленные циклопы молчаливо наблюдают за прекрасными возлюбленными.

Уже в ХХ веке пройдут выставки Редона практически по всей Европе и в трех городах Америки, художнику вручат Орден почетного легиона, в Осеннем салоне в Париже его цветным работам будет посвящен целый зал, а издатель Андре Меллерио опубликует каталог его ранних литографических работ. В 60 лет художник получит первый заказ на декоративные росписи стен, а в 68 выполнит самый грандиозный проект – три панно на стенах библиотеки в старинном аббатстве Фонфруад.

Редон будет писать фантастические букеты и мистические портреты, пока Бог не решит завести с ним серьезный разговор, на повышенных тонах. Его единственный сын Ари уходит на фронт с началом Первой мировой. Тревога за сына подорвала здоровье Редона, он умрет в Париже в возрасте 73 лет.

Автор: Анна Сидельникова
https://artchive.ru/odilonredon

Галерея работ https://www.wikiart.org/ru/odilon-redon



Взгляд



Красная лодка с голубыми парусами, 1907

Источник http://artageless.com/edge-fe....rshinoy или http://artageless.com/gallery-husainov-02

Хусаинов Нажметдин – самобытный художник из города Ишимбая, член Международной ассоциации изобразительных искусств - АИАП ЮНЕСКО, участник республиканских, всероссийских, региональных, международных, зарубежных, групповых выставок, а также его иллюстрации украсили книгу татарской писательницы Алсу Назми «Мерцание звезд».

Henry Clive painting Alice White

Генри Клайв (3 октября 1883 г. - 12 декабря 1960 г.) был американским художником-графиком и иллюстратором австралийского происхождения. Клайв особенно известен своими иллюстрациями в The American Weekly и сериалами обложек, на которых позировали кинозвезды.

Генри О’Хара, больше известный как Генри Клайв, родился в 1882 году в Австралии. Детство будущий художник пин-апа провел на овцеводческой ферме недалеко от Мельбурна. На окраине он оставался очень недолго. Клайв уехал в Голливуд и, словно по волшебству, начал свою потрясающую карьеру с актерской игры в немом кино. К стилю pin up он обратился уже в 1920-х, изображая самых знаменитых звезд того времени (в том числе Глорию Суонсон и Полгу Негри) для промо-кампаний. Несмотря на столь громкое слово, «промо-кампании» заключались в украшении девушками пинап коробок для ланчей, специально выпускаемых для любителей ходить в кино. Генри Клайв был арт-директором ряда фильмов Чарли Чаплина и даже играл антагониста в фильме City Lights. Его эротические рисунки пастелью часто украшали различные предметы обихода, вплоть до коробок для карандашей и даже косметичек. Клайв участвовал также в создании календарей для специальных журнальных выпусков. Работы этого художника pinup имеют значительную ценность для коллекционеров, и их весьма сложно приобрести.



Дух Капри





«Султана»/Sultana

Иллюстрация Клайва «Султана»/Sultana в стиле ар-деко 1925 года для календарной компании Луи Ф. Доу однажды была продана за 22 705 долларов.

Размещенный в поместье Шарля Мартиньета, в 2010 году Султана снова была выставлена ​​на продажу на аукционах Heritage Auctions.
Султана была воспроизведена в «Великой американской кинозвезде» Чарльзом Г. Мартиньеттом и Луи К. Мейзелем.

Рекламная работа Клайва для Vivaudou и его несколько картин-календарей, кульминацией которых стал жанр, определяющий ар-деко масляная живопись Султана с египетским влиянием, выполненная для компании Louis F. Dow Calendar Company, укрепила его место в качестве искусного художника наравне с Рольфом Армстронгом и другим топ-деко эпохи американских иллюстраторов. https://lovers-of-art.livejournal.com/1234026.html





Подборка картин мастера https://www.liveinternet.ru/users/lara_rimmer/post422616244/

Источник картины http://artrb.ru/contest/?contest=photo-detail&photo_id=5682
Фото автора https://vk.com/id332513509





"Портрет девушки с жемчужными бусами'', Ильяс Мугтобаров, 1993-1999, холст, масло, 88х63
Источник  http://artrb.ru/contest/?contest=photo-detail&photo_id=5681

Ксения Шевченко родилась  18 января 1983 года в г. Донецке. В 2005 году с отличием окончила Донецкое художественное училище (отделение живописи). В 2011 году окончила Украинскую академию печати в г. Львов (кафедра графики), получив диплом магистра и квалификацию художник. Работает в Донецкой школе искусств №4, а также исполняет обязанности заведующей художественным отделением. Является старшим преподавателем в ДонНу на кафедре  Дизайн и артменеджмент. (В данный момент находится в дектетном отпуске и воспитывает второго сынишку) В 2012 году вступила в Молодежное объединение Национального Союза художников Украины и с 2013 года его возглавила. В 2013 году стала членом Национального Союза  художников Украины. В начальном этапе творчества пыталась проследить слияние двух культур - персидской и славянской, проводила параллели двух миров и воссоединяла их. В своих работах воссоздает образы и мотивы персидских орнаментов, перенося их и на славянскую мифологию. А теперь все эти орнаменты перешли в тонкие кружевные образы. Является участником, дипломантом и призером областных, всеукраинских и международных выставок графики и каллиграфии. Её работы находятся в частной коллекции президента Республики Таджикистан, председателя таджикской общины в Украине, Великой Княжны Марии Романовой, администрации г. Донецка и т.д.

Персональный сайт, биография и галерея работ https://stixia.wixsite.com/ksenia-1



Чёрная жемчужина

Галерея работ
http://www.artlib.ru/index.p....serie=0
https://www.neizvestniy-geniy.ru/users/47843/works/

К. Маковский. 97. Девушка в жемчужном ожерелье
Дмитрий Ахременко

Ты одна грустишь сейчас
В этот долгий тихий вечер
В глубине прекрасных глаз
Та Любовь, что сердце лечит.

Только милый не пришёл,
Ты одна грустишь немного,
Ночь восходит на престол,
Словно благодать от Бога.

Ты не плачь и не грусти,
Будет он с тобою рядом,
Будет Счастье на пути,
Словно розы среди сада.

Свечи на столе горят,
Жемчуга на шее белой,
Как прекрасен твой наряд,
Встречи новой ты хотела.

Только вот не суждено,
Нет его, и кто виною,
Ты опять глядишь в окно
И грустишь порой ночною.

Молишь Господа о том,
Чтобы он пришёл скорее
И наполнил Счастьем дом,
Сердце милой лаской грея.

Ты сидишь сейчас одна,
Чувство позабыть не в силах,
Только ночь и тишина
Знают, что с тобою было.

© Дмитрий Ахременко, 2017
Первоисточник:   https://stihi.ru/2017/11/25/1575

Фотография, 1900-е годы

Константин Егорович Маковский – замечательный русский художник. Родился 20 июня 1839 года в хорошей семье. Отец его – Егор Маковский, известный деятель художественного искусства в Москве, был одним из учредителей Натурного класса.

В скором времени, Натурный класс перерастет в Московское художественное училище, которое подарит России и русскому народу множество известных художников. Любовь отца к искусству, передалась и детям. Все его дети стали художниками.

Константин Маковский в 1851 году поступает в Московское художественное училище, становится его первым учеником, и собирает все возможные регалии за свои творческие успехи в художественном деле.

Одним из учителей Маковского был Карл Брюллов. Именно влиянием Брюллова объясняют склонность Константина к декоративным эффектам и романтизму.

В 1858 году Константин Егорович переезжает в Петербург и поступает в Императорскую Академию художеств. Несмотря на приобретаемую всеобщую известность и положительные оценки критиков, окончить академию Маковскому не удалось.

Ему предложили написать дипломную работу на тему из Скандинавской мифологии, художник отказался. В период учебы Маковский участвовал во многих выставках, и получал хорошую прессу. В его творчестве преобладали исторические сюжеты.

После разрыва отношений с Академией Художеств, присоединился к артели художников Ивана Крамского. Константин Егорович пишет ряд картин, сюжет которых - повседневная жизнь. В 1870 году, Маковский с сотоварищами основывает  «Товарищество передвижных художественных выставок».

В 80-ых годах 19 века, он пишет исторические картины. На парижской выставке 1889 года получает большую золотую медаль, за  свои исторические картины.

Константин Егорович Маковский умер в 1915 году, вследствие несчастного случая. Сын Маковского унаследовал от отца его творческое мышление, и был видным деятелем русской культуры. Константин Маковский – значимая личность в истории русского искусства, его деятельность и начинания высоко ценились русским и европейским обществами.

Биография http://www.artonline.ru/encyclopedia/371



Рождение Венеры. Дата: c.1900 - c.1910



Парижская красавица в жемчугах. 1875



Боярыня у окна. 1885



Русская красавица. 1839-1915

К. Маковский Русская красавица в кокошнике
Белый Филин

А истинная Красота
И Гармонична и Чиста,
В ней нет ни фальши, ни прикрас,
Лишь глубина бездонных глаз,
Лишь гладь невинного чела,
И Тишина! И Тишина!
Она как лепесток свежа,
И вдохновенна как Весна,
Умом она непостижима,
Лишь только Сердцем ощутима.

Сияет русская Краса
Во все века!Во все века!
И сотни тысяч женских лиц
В Единый лик Любви сплелись.
В нём скромность, Свет и простота,
И каждая черта ясна,
Открыта и неповторима,
Она всю Русь в себя вместила.

Она невеста и жена,
Подруга, Матушка, сестра,
Что безгранично терпелива,
Добросердечна и правдива,
И если нужно, то щитом
Готова встать за Отчий Дом.
Под кроткой этой Красотой,
Тепла Душевного огонь.

Жемчужно-бисерной каймой
Убор сияет  над главой,
Подобно Царскому Венцу
Он оттеняет Красоту,
И кружево из серебра
Над безмятежностью лица,
И самоцветы ожерелий
Мерцают на девичей шее...

Но все богатства эти - тени,
Лишь Свет Души для нас бесценен,
Которым так богата Русь,
Так пусть же он сияет! Пусть!

© Белый Филин, 2017
Первоисточник:   https://stihi.ru/2017/03/07/4918

Ученик своего дяди, Аньоло Бронзино, и потому нередко называвшийся Алессандро Бронзино, художник весьма даровитый, но подвергшийся сильному влиянию Микеланджело. Влияние маньеризма особенно заметно в его религиозных картинах, условных и жестких по рисунку и резких по колориту. Талант Аллори ярче выказывается в его прекрасных, старательно исполненных портретах.

Важнейшие из его произведений: «Крещение Господне», «Жертвоприношение Исаака», портреты Джулиано Медичи, Бьянки Капелло, самого художника (все пять в галерее Уффици, во Флоренции), портрет кардинала Фердинандо Медичи (в Палаццо Питти, там же), «Рождество Богородицы» (в церкви Сантиссима Аннунциата, там же), «Христос у Марфы и Марии» (в Венском музее), «Вирсавия в купальне» и портрет молодого человека (в Эрмитаже).

Его сын Кристофано Аллори также стал художником.

Картину «Ловля жемчуга» (Палаццо Веккьо, Флоренция, 1571) вообще считают шедевром живописи маньеризма. Игривый и изобретательный, Алессандро Аллори комбинирует в полотне нагие фигуры: могучие и рельефные, как на фресках Микеланджело, со стройными и изящными, как на картинах Бронзино.



Алессандро Аллори – Бьянка Капелло, около 1580



Дама

Подборка картин  https://www.liveinternet.ru/users/5648164/post329075296/

Поль Бодри «Жемчужина и волна», 1862
Прадо, Мадрид
Академизм

На картине изображена обнажённая женщина, лежащая на краю скалистого морского берега, обернувшаяся через плечо в сторону зрителя на фоне бьющихся о берег волн. Может быть аллюзией мифа о рождении Венеры.

Тёмно-синяя пенистая волна вынесла могучим всплеском на берег обаятельную женщину, подобную драгоценной жемчужине. Кажется, что она только что проснулась ото сна, лукавые влажные глаза улыбаются. Она дерзко высовывает светлую головку из-под закинутых кверху рук и потягивает нежным движением юношески стройное, но полное тело. Красавицы Бугро и Кабанеля кажутся восковыми, их портят искусственные прикрасы. Венера Бодри совсем живая — в ней сохранилась индивидуальная красота модели.

Картина была написана в 1862 году и является одной из наиболее известных полотен Бодри этого периода. В 1863 году её приобрела императрица Франции Евгения де Монтихо за 20 тыс. франков. Она стала второй по стоимости картиной того времени. С 1904 года картина находится в Мадридском музее Прадо в Испании.

Источник  https://greatartists.ru/zhemchuzhina-i-volna/

Картина на сайте музея Прадо

Поль Жак Эме Бодри (фр. Paul Jacques Aimé Baudry; 7 ноября 1828, Ла-Рош-сюр-Йон, Вандея, Франция - 17 января 1886, Париж) - французский живописец, один из наиболее известных представителей академического направления времён Второй империи.

Биография  https://wiki2.org/ru/Бодри,_Поль

Бодри (Baudry), Поль Жак Эме, французский живописец, родился в 1828 г., по окончании парижской академии и получении пенсионата работал в 1851—1856 г. в  Италии, посвятив себя всецело изучению произведений итальянского Возрождения XVI в. Главное его произведение — это громадные декоративные росписи, обнимающие в совокупности 500 кв. метров, в здании Парижской оперы. Над этими плафонами Бодри работал с 1866 г. по 1874 г. В множестве прекрасно расчлененных групп и сцен, в бойко разбросанных, в самых разнообразных ракурсах, телах Бодри изобразил в аллегорическом стиле мощь и царство музыки, взяв материал из античных мифов и христианских сказаний. Как в этой декоративной росписи, так и в картинах (Жемчужина и волна, Истина, Цибела) сказывается со всею ясностью изучение итальянского ренессанса и увлечение им. В композиции, в формах, красках чувствуются излюбленные формы и приемы Микеланджело, Рафаэля, Сарто. Веронезе, Корреджио, — видно, что Бодри смотрел на природу через призму искусства XVI века. Но, заимствуя многое от мастеров XVI в., Бодри прибавляет к этому игривость, грацию, утонченность и нервность парижанина XIX в. Бодри возродил изучением итальянских классиков декоративную живопись и оживил классическую схему современностью. Умер в 1886 г.



Венера, играющая с амуром



Истина



Купидон и Психея

Эти картины меня привлекли прежде всего потому, что на них изображены женщины ли, богини ли, зачастую украшенные жемчугом. Жемчуг как аллегория чистоты и женственности используется давно, вот и польский художник, пишущий по холсту маслом (нет, это не фотоколлажи, как может показаться на первый взгляд), не смог пройти мимо этого символа.

Надо сказать, что пишет Karol Bak женщин. Только женщин.
Но вот женщины ли они?

Он родился в Польше, город Коло, в 1961 году, учился в Академии изобразительных искусств в Познани. В Познани он сейчас и живет. Регулярно выставляется и известен по всему миру. Кто-то считает, что его картины — дикий кич, а кто-то видит в его работах служение красоте... Он пишет героинь легенд, сказок, мифов. На его картинах изображены мистические существа, эфемерные, пришедшие к нему и просящиеся на холст. Это богини, ангелы, олицетворенные силы природы и даже звезды. Но мне почему-то кажется, что изображенные женщины — вполне реалистичны, что это скорее портреты вполне реальных женщин. На одной из картин, как мне показалось, я явственно увидела певицу Азизу А на другой — вроде бы, Уитни Хьюстон, но я могу ошибаться, конечно же.

Мне кажутся наиболее удачными те его работы , где не прорисованы лица, а только есть изгиб женской шеи, красивый поворот гибкого стана...

Цель художника, по его признанию, раскрыть красоту женской души, показав красоту тела женщины.
Удалось ему цели достичь, как считаете?
© https://www.livemaster.ru/topic/1629429-zhemchuzhnye-angely-karol-bak