Художник Виктор Низовцев (Victor Nizovtsev) родился в городе Улан-Удэ, недалеко от озера Байкал, в 1965 году. Вскоре семья Низовцева переехала в окрестности Кишинёва, в город Котовск. В Котовске Виктор поступил в детскую художественную школу, а затем в Кишинёвское художественное училище.После службы в Советской Армии Виктор Низовцев окончил Санкт-Петербургский университет имени Веры Мухиной. В 1993 году художник вернулся в Котовск, а в 1997 году иммигрировал в США. В настоящее время Victor Nizovtsev живёт и работает в США.

Подробнее https://www.liveinternet.ru/tags....5%D0%B2



Русалочий жемчуг Виктора Низовцева

Джова́нни Батти́ста Тье́поло (итал. Giovanni Battista Tiepolo, варианты написания имени: Gianbattista или Giambattista — Джанбаттиста или Джамбаттиста; 5 марта 1696, Венеция — 27 марта 1770, Мадрид) — крупнейший художник итальянского рококо, мастер фресок

Все картины художника  https://gallerix.ru/storeroom/1001685885/





Итальянский худ. Джованни Баттиста Тьеполо. «Пир Клеопатры». 1743-1744,Национальная галерея Виктории в Мельбурне, Австралия

Картина большого разрешения для просмотра: https://commons.wikimedia.org/wiki....ect.jpg

Биография Сандро Боттичелли очень богатая. Начнем с того, что его имя это прозвище. На самом деле его звали Алессандро ди Мариано Филипепи. Сандро – это сокращение от Алессандро, а вот прозвище Боттичелли прилипло к нему, потому что так называли одного из старших братьев художника. В переводе это означает «бочоночек». Родился он во Флоренции в 1445.

Отец будущего художника был кожевником. Примерно в 1458 году маленький Сандро уже работал подмастерьем в ювелирной мастерской, которая принадлежала одному из его старших братьев. Но он там долго не задержался, и уже в начале 1460-х годов был записан в ученики к художнику Фра Филиппе Липпи.

Годы в художественной мастерской Липпи проходили весело и продуктивно. Художник и его ученик хорошо ладили между собой. Впоследствии Липпи сам стал учеником Боттичелли. С 1467 года Сандро открыл свою собственную мастерскую.

Первый свой заказ Боттичелли выполнил для зала суда. Это было в 1470 году. К 1475 году Сандро Боттичелли был вполне известным и востребованным мастером. Он стал создавать фрески, писать картины для церквей.

Боттичелли считали «своим» человеком практически везде, в том числе и в богатых королевских семьях. Так, Лоренцо ди Пьерфранческо де Медичи, когда купил себе виллу, пригласил Сандро Боттичелли жить у него и писать картины для интерьера. Именно в это время Боттичелли пишет две свои самые знаменитые картины – «Весна» и «Рождение Венеры». Обе картины представлены на нашем сайте с подробным описанием.

К 1481 году Боттичелли отправился в Рим по приглашению папы Сикста IV. Он принимал участие в росписи Сикстинской капеллы, которую только-только закончили строить.

После смерти отца в 1482 году, Боттичелли вернулся в свою родную Флоренцию. Пережив трагедию, художник взялся снова за картины. Заказчики толпами шли в его мастерскую, поэтому некоторые работы выполняли ученика мастера, а он же брался только за более сложные и престижные заказы. Это время было пиком славы Сандро Боттичелли. Он слыл самым лучшим художником Италии.

Но через десять лет власть сменилась. На трон взошел Савонарола, который презирал Медичей, их роскошь, продажность. Боттичелли пришлось нелегко. К тому же в 1493 году умер брат Боттичелли – Джованни, которого он очень любил. Боттичелли лишился всякой поддержки. Хоть этот период длился недолго, потому что в 1498 году Савонарол был отлучен от церкви и сожжен на костре публично, все же он был очень сложным.

К концу своей жизни Боттичелли был очень одинок. О его былой славе не осталось и следа. Его отвергали как художника, и не делали больше заказов. Умер он в 1510 году.

https://www.google.ru/url?sa=....AAAABAO

Ирина Слепова принадлежит к поколению художников – носителей идей нового мышления, воспевающих одухотворенный Космос, взаимосвязь человека и Вселенной, красоту миров высших измерений, которые находятся в тесном взаимодействии и существуют как единая реальность.

Творчеству Ирины Слеповой можно предпослать слова М.М. Пришвина, которые она цитирует в своем блоге: «...Для художника жизнь на земле – это единство и каждое событие в ней есть явление целого, но ведь надо носить в себе это целое, чтобы узнавать его проявление в частном...» (М.М. Пришвин «Дорога к другу»).

Композиция многих картин Ирины строится на осознании всеобщего единства: главный образ как бы парит в центре, а вокруг него изображены исходящие и магнитно притягивающиеся к нему силы. Умиротворение и любовь, которые исходят от ее работ, создают впечатление присутствия космических Матери и Отца, щедро одаривающих своё потомство самыми светлыми и ценными дарами. Доверие, с которым тянутся – руки, ветви и цветы, и даже планеты – к принятию этих даров еще больше усиливает ощущение притягательности незримых лученосных Образов.

Что считает главным для себя Ирина Слепова, чем хочет поделиться с миром? «Творчество каждого момента. Счастье – это движущая живая сила. Любовь и Чистота-Вдохновение – это то, что делает жизнь настоящей и воистину живой».

Художник-космист Ирина Слепова – одна из немногих современных живописцев, кто владеет такой сложной техникой, как пастель. Молодая художница воплощает незримый мир видений, снов, символов. Ее излюбленные цвета – розовый, голубой, золотистый; на многих картинах присутствует образ светоносных белых лучей, льющихся то из лотоса, то из третьего глаза призрачной женской фигуры.

Композиция многих картин И. Слеповой строится весьма примечательно: главный образ как бы парит в центре, а по бокам от него изображены горные хребты, задающие пространственное членение даже самого условного пейзажа. В центре нижней части картины нередко встречается изображение вод – озера, океана и т.п. Такая композиция чрезвычайно архаична, она известна исследователям шаманских бубнов, она лежит в основе построения буддийской иконы – тханки.



Информация об авторе и галерея картин: https://nowimir.ru/GAL/063014.htm

Гармония внутреннего и наружного Мира, легкость жизни протекающей через нас, проявления творца в любви мироздания. Вот, что отображает «Долина жемчужин» одним предложением.

Из маленькой песчинки создаётся жемчужина, как от наших мыслей создаётся события жизни, раскручивая их в материальном мире различных масштабов.

Можно увидеть лодку у которой есть начало и конец (Альфа и Омега) = где сомой сутью является сома лодка, как и жизнь человека (путь). Рядом пролетающие чайки, рождаясь в пламени трубки Мира, описывая круг своей жизни, возвращаясь в нее же.

В основе картины две спирали и жемчужина творца: где первая открывает вселенную (Улитка - символ плодородия, находиться над головой женщины), а вторая укореняется в материальном мире (Дерево жизни, находящаяся у ее ног). Между открытой и закрытой спиралью, на Дереве жизни можно увидеть основную жемчужину - любви творца. Это и есть триединство: начало, процесс, завершение.

Гриб, книга, яблоки, рыбы, водопад, золотое руно, драгоценные камни и многие другие элементы несут в себе философию жизни и творческого потока мышления созидательных процессов.
Источник информации

Антон Вишневский – неординарный украинский художник, родом из Днепропетровска. (рожденный 1985 года).

Антон с раннего детства имел богатое воображение, вбирая в себя различные знания из мифологии и культуры древних цивилизаций, что, несомненно, повлияло на его талант. В художественной школе, где Антон учился в подростковом возрасте, неоднократно отмечали необыкновенную одаренность, которая заложила фундамент его творчества.

Произведения, написанные Антоном 2017 году, достаточно красноречиво свидетельствовали о его истинном предназначении стать живописцем. И благодаря своевременной поддержке близких друзей он делает выбор в пользу реализации себя как художника.

В 2018 Антон проводит свою первую благотворительную выставку «Открывая глаза», на которой было продемонстрировано 24 картины художника. Все средства, вырученные от проведения выставки, были направлены на помощь детям.

Каждая картина, созданная Антоном – это иллюстрация духовной мудрости художника, неиссякаемого позитива и смелости выделяться из привычного общества. Плодотворное художественное творчество освобождает глубоко запрятанные мысли, ведь разум одаренного человека не ограничен рациональным мышлением. На одних картинах, пронизанных едва уловимой Магией, мы наблюдаем сюрреалистические пейзажи с невообразимыми головоломками. В то время как другие работы подчинены строгости и логике изящных геометрических фигур.

В цикле работ «Магия Геометрии» нашли свое отражение основательные познания Антона в точных науках, а также эзотерических учениях о строении Макро- и Микрокосмоса. Изучение сакральной геометрии позволило наделить картины необычными энергетическими свойствами. Такие картины вобрали в себя весь опыт художника в практической эзотерике и помогают людям обрести гармонию в жилом пространстве и внутри себя. Ведь не каждый художник, виртуозно владеющий кистью, может отразить в своих работах мистические темы и идеи, создавая графические шедевры и запустить тем самым процессы трансформации духовного развития человека.

В настоящее время Антон продолжает создание глубоких осмысленных картин, открывающих многие тайны Мироздания. Картины, которые поражают неординарностью образов и многосложностью сюжетов. Дар художника и тяга к эзотерике помогают ему одновременно раскрываться в роли талантливого таролога, нумеролога.
https://jag.in.ua/artists/Anton_Vishnevskiy/

Год создания 2009
Техника: Холст. масло
Размеры: 50х60
Раздел: Живопись
Стиль: Сюрреализм

Сушельницкая Ирина Любомировна.

Ирина рисует с раннего детства, в изобильном рисовании росло и складывалось её мастерство. С отличием закончила ОГПУ им.К. Д. Ушинского Художественно-графический факультет, по специальности изобразительное и декоративно-прикладное искусство. Магистр.
Участница многих художественных выставок и проектов.

Ирина Сушельницкая многогранна в своем творчестве, ей интересны: живопись, графика, декоративная роспись, скульптура малых форм, настенная роспись, выжигание, и фотография. Мастер станковой живописи, графики, портрета и акварели, Ирина не останавливается и находится в постоянном творческом поиске. Ее работы не задерживаются в мастерской, и находятся в частных и публичных коллекциях, художественных галереях Украины, России, странах ближнего и дальнего зарубежья.

Её восприятие мира, ее мировоззрение, воспоминания и представления складываясь в образы ложатся на холст в тесном переплетении и сочетании с изображением домов и улиц, людей и животных, письменных знаков и символов, которые собираются в особое художественное пространство, фантастических образов и форм, не оставляя ни кого равнодушным.

Основной задачей Ирины Сушельницкой стало именно воплощение синтеза материального и духовного. Каждый находит что-то своё в картинах: кого-то волнуют технические приёмы, насыщенность цвета, необычные фактуры их интересное смешение и послойность, кого-то — сюжеты, неожиданные, эмоциональные со скрытым подтекстом, наталкивающие на размышления. Глядя на картины понимаешь, что для художника важны не только изобразительные средства, игра касок и теней, а важно что именно изображать, ведь ничего случайного в картинах нет, художник хочет показать именно это, а значит, у всех предметов, людей, животных, растений, загадочных узоров и знаков появившихся из-под её кисти, есть своё особое предназначение. И все картины пронизаны общей идеей – темой радости, добра и любви.

Вот, что говорит сама художница о своем творчестве: «Творчество для меня – это красота, позитив, состояние душевного подъема, обмен энергией. Сначала ты передаешь свое настроение и энергетику картине, а затем она, когда находит своего владельца, возвращает ему накопленный позитивный заряд. Я верю, что чем больше ты посылаешь в мир позитивной энергии, добра, любви, заботы и внимания тем больше возвращается этой доброй энергии к тебе. И тогда, есть всегда желание и вдохновение так необходимое художнику.

Живопись для меня – это когда образы, ощущения, настроение и желания приобретают форму и являются в мир людей, украшая их повседневную жизнь, напоминая, что мир прекрасен, несмотря ни на что».

https://arts.in.ua/artists/IrinaS/


Ирина Сушельницкая. Автопортрет "Мысли"

Художница Kinuko Y. Craft Site (Кинуко Крафт р.1940 г.) — родилась в Японии, где жила и училась до 1962 года. Затем решила продолжить свое образование в США. Начинала карьеру как внештатный сотрудник целого ряда журналов, таких как The New York Times, Newsweek, Time, Forbes, Sports Illustrated и т.д. С середины девяностых, специализируется на иллюстрирование детских книг, суперобложках к книгам фэнтези и плакатах. На сегодняшний день художественные работы Кинуко Крафт получили международную известность и были удостоены множества наград.

https://alionushka1.livejournal.com/1042464.html



Звёздный жемчуг был с нею с начала времён,
созревал в тишине, ею был вдохновлён,
и остался свидетельством вечной красы
Женских чар, нежных душ, что заводят часы...

Юлия Шекет
ТРИДЦАТЬ ИМЕН ХОКУСАЯ
«С шести лет мной овладела страсть рисовать, верно передавая форму всех предметов. В течение полувека я исполнил очень много картин, однако до 70 лет не сделал ничего значительного. В 73 года я изучил строение животных, птиц, насекомых и растений. Настоящее понимание природы пробуждается во мне теперь, в 75 лет. Поэтому надеюсь, что вплоть до 80 лет мое искусство будет непрерывно развиваться – и к 90 годам я смогу проникнуть в самую суть искусства. И в сто лет я буду создавать картины, подобные божественному чуду. Когда мне исполнится 110, каждая линия, каждая точка – будут сама жизнь. Те, кто будет жить долго, смогут увидеть, что я сдержу слово».

Так озвучил свое творческое и жизненное кредо, пожалуй, самый известный из японских художников. Западный зритель узнает его прежде всего по знаменитой «Волне в Канагаве» и знает под именем Кацусика Хокусай. Однако это имя мастер взял уже не в юном возрасте. А сколько он их сменил – даже точно не сосчитать! Звался и подписывался он в разные времена и в разных ситуациях как Кацукава Сюнро, Гамбатэй, Гебуцу, Сори, Синсай, Кинтайся, Тамэкадзу, Райто, Райсин, Гакедзин, Мандзи-о, Мандзиродзин, Дзэн Хокусай Иицу… Более трех десятков имен. И почти за каждым стоял отдельный период поисков, проб и находок

Тот, кто утверждал, что по-настоящему родился лишь в пятьдесят лет, появился на свет в 23-й день девятого месяца десятого года периода Хорэки, то есть по григорианскому календарю – примерно 31 октября 1760 года. Сведения о происхождении и детстве Хокусая разноречивы и своей расплывчатостью несколько напоминают легенды о героях древности.

Семья, давшая ему жизнь, жила где-то на околицах Эдо (прежнее название Токио). Отцом будущего художника был, по одной из версий, изготовитель зеркал Никадзима Исэ, а матерью – возможно, его наложница. Однако есть и другое предположение: зеркальщик сегуна лишь усыновил маленького Токитаро (подлинность первого имени Хокусая тоже, кстати, под вопросом!), а настоящим его отцом был крестьянин Кавамура. В этом случае мальчику с бытовой точки зрения весьма повезло – ведь ремесленники, работавшие на сегуна, были наиболее состоятельными представителями своего сословия, а иногда их даже жаловали самурайскими привилегиями.

Как художник позднее утверждал в предисловии к «Ста видам Фудзи», рисовать он начал в шесть лет – через год после того, как, согласно традиции, японского мальчика впервые одевали во «взрослое» платье. Обучался ли он чему-нибудь вне дома, неизвестно, но такая практика тогда была не слишком распространена. Еще через несколько лет Токитаро был отдан на работу в книжную лавку (тогда в Эдо их насчитывалось более двухсот и еще три сотни специализировались на продаже гравюр).

Мальчика явно увлекла атмосфера книжного искусства, которое к тому времени в Японии достигло недюжинных высот и необычайно ценилось. Наверняка его привлекали популярные книжки с картинками «куса-дзоси», различавшиеся по цвету обложки. Особенно впечатляли ребенка «красные», где печатали детские сказки – в основном, занимательные пересказы исторических легенд. Акцент на изображении был характерным не только для детского и развлекательного чтива в японской культуре: и в более серьезных книгах иллюстрация была не менее важной частью повествования, чем текст, а художник выступал полноправным соавтором. Неудивительно, если вспомнить «живописные» особенности иероглифического письма и то, каким важным всегда было для японцев искусство каллиграфии. Даже само слово «бунгаку» («литература») включало часть «бун» («орнамент»).

Именно эта, изобразительная, часть книжной магии привлекала паренька более всего, и примерно в 13 лет он поступил в обучение к мастеру гравюры Никаяме Тэцусону. Тогда он, похоже, уже неплохо изучил родную грамоту и китайский, а также успел ознакомиться с осно­вами рисунка. Теперь ему предстояло освоить весьма непростое дело.

Гравюра, известная в Японии еще с VIII века, к тому времени уверенно выделилась в особый вид искусства. Через пять лет после рождения Хокусая была изобретена цветная печать, и теперь творцами каждого ксилографического произведения становились несколько человек: сначала художник тушью на тонкую бумагу наносил изысканный рисунок, после резчик с ювелирной аккуратностью приклеивал его лицевой стороной к доске из груши или другого твердого дерева (доски делали настолько гладкими, что они словно «прилипали» друг к другу). Вырезали изображение. На первых черно-белых оттисках размечали цвета – и резали отдельные доски для каждого цвета. Затем печатник в тандеме с художником наносил краски и, наконец, печатал гравюры. Членом этого творческого содружества можно назвать и издателя, так как он осуществлял общее руководство, активно вмешиваясь во все процессы – от подбора темы и специалистов до нанесения своей печати.

В мастерской гравюры Хокусай (еще не ставший тогда Хокусаем) получил профессию резчика. А в восемнадцатилетнем возрасте начал учебу в школе признанного мастера ксилографии Кацукавы Сюнсе. Работая в основном над портретами актеров, тот одним из первых стал уделять особенное внимание реалистичности изображения, во многом определив пути развития гравюры укие-э. Об этом жанре стоит рассказать подробнее – ведь, как и его учитель, наш герой отдал ему много лет жизни.
https://persons-journal.com/journal/769/1117

Картинами художника украшены многие строения Галактического Ковчега и Семи Морей
Золотой Град - на Семи Морях
Золотой Град  - на Сказках
Золотой Город на Форуме Галактический Ковчег






http://www.3dvalley.com/gallery/wilby

Откуда берутся идеи книг? Иногда они приходят во сне, иногда, резко, из таинственного ниоткуда, иногда — в процессе мучительных исканий и напряжения ума. Кто-то зовёт всё это Музой, кто-то вдохновением, кто-то говорит, что «поймал волну». Сюжет семи книг «Тёмной башни» Стивена Кинга родился из прочитанного им небольшого стихотворения про Роланда. Возможно, картины Джоанны Сьерко-Филиповски станут пусть не кладезем, но сундучком идей для сказочников. Настолько они напоминают о детстве, сказках, вере в чудо. Только воспоминания эти отдают печалью.

Официальный сайт Джоанны Сьерко-Филиповски

Польская художница Joanna Sierko-Filipowska родилась в 1960 году в Bialystok/ Белостоке.В 1985 году окончила с отличием факультет графики Академии изящных искусств в Варшаве. Очаровательная рыжеволосая женщина, героиня многих картин Joanna Sierko-Filipowska — это автопортрет самой художницы. Да и мир, который рисует автор, ей не приходится придумывать: она просто живет в нем, наслаждаясь гармонией и счастьем.

Родился в 1938 г. в Ачинске Красноярского края. Раннее детство пришлось на военное и послевоенное время: голод, разруха, потеря близкого человека - отца. Отец погиб в 1942 г. под Ленинградом (2-я ударная армия). Мать одна воспитывала пятерых детей. Это трудное время оставило глубокий след в творчестве художника.

Рисовать начал рано. Занимался в Южно-Сахалинской изостудии Дома пионеров, а затем и сам в ней преподавал. Рисовать учился у великих живописцев - копируя их картины. Мечтал научиться писать так, как делали это великие Ботичелли, Леонардо да Винчи…

Преклонялся перед творчеством Врубеля, работами Ван Гога и Гогена.

К творчеству подходил серьезно, порой истязая себя. Он торопился сделать больше и лучше. За 60 лет жизненного пути им создано около 400 работ: портретов, психологических и философских картин, графических работ. Учился в Новосибирском строительно-архитектурном институте, из которого ушел после 3-го курса-победила любовь к живописи.

После армии работал в драматическом театре г.Южно-Сахалинска, позднее художником-постановщиком в Сахалинской студии телевидения.

С 1964 г. с семьей переехал в г.Ижевск и начал работать художником-постановщиком на Ижевской студии телевидения. Параллельно сотрудничал с Удмуртским книжным издательством в качестве художника-иллюстратора. Им оформлены десятки книг разных жанров. Среди них: ”Удмуртские народные сказки”, поэма М.Петрова ”Италмас”, ”Похвала глупости ”Эразма Роттердамского, ”Сказка о царе Салтане” А.С.Пушкина, ”Удмуртская кухня”.

Он не был натуралистом, он писал то, что возникало в его воображении, создавая свой собственный, может быть, идеалистический придуманный им мир. В его картинах глубокая философия. Его картины притягивают, будоражат, заставляют задуматься о смысле жизни. Красота, обаяние, безмятежность, нежность женских образов, внутренний свет заставляют еще и еще раз всмотреться в созданные им прекрасные картины. В этом секрет мастерства художника - увидеть в обыденной, порой серой, жизни красоту и показать ее людям.

17 июля 2000 г. художника не стало, но осталось его творчество.

Очарованный мир живописца Эдуарда Морозова

Герои произведений Эдуарда Морозова совсем “нездешние”: библейские персонажи, балерины дягилевских русских сезонов в ореоле причудливых декораций, бравые гусары и чеховские интеллигенты, сказочные берегини и задумчивые дамы в старинных усадебных парках. Сама душа России живет в этих картинах. Россия Серебряного века, еще не ведающая, какие испытания ей предстоят…

Мечтатель и идеалист, выросший на классической музыке и великой русской литературе, он не мог воспевать “будни великих строек”, творить по указке. В эпоху, когда предписывалось идти в ногу со временем, Морозов умудрился жить в другом измерении. Это была своеобразная форма протеста. Просто душа художника не принимала скучного натурализма и бескрылого соцреализма, рвалась к высотам человеческого духа и безграничной свободе полета фантазии. Несколько раз друзья-художники приглашали показать свои картины высоким коммисиям, приезжавшим для отбора работ на престижные смотры. Однако рядом с бодрыми и мускулистыми современниками в роскошных рамах его хрупкие и печальные чеховские барышни как-то не смотрелись. А уж возникающие в потоках света и цвета неземные видения - ангелы с раcпростертыми крыльями, Христос, идущий по водам, причудливый театральный мир - музыкальные образы А.Вертинского, танец Т. Карсавиной и М.Плисецкой совсем были “не из той оперы”.

Он работал на телевидении, оформлял книги, расписывал стены в детских садах. Эта работа давала средства к существованию, позволяя при этом не отказываться от своих взглядов и пристрастий, в сущности, сохранить в чистоте свою душу. В нем было что-то от отшельника или подвижника. Все свободное время художник отдавал творчеству: вставал в четыре утра и работал, творя на холсте или на любом подручном материале свой мир, выгодно отличающийся от реального гармонией, красотой и изысканностью. Он работал взахлеб как будто боялся не успеть сделать задуманное. Для него не существовало выходных и отпусков, безделья и скуки. Новые замыслы и идеи переполняли его, творчество было смыслом и образом жизни.

Эдуард Морозов считал, что цель искусства – вечность. Он честно и до конца прошел свой творческий путь, и наградой ему стало то высокое, что достигает в себе и открывает другим художник, отдавший жизнь искусству.

/ Валентина Гартиг, искусствовед /
https://artnow.ru/hudozhnik-Morozov-Eduard-13210.html

Художник Творческое наследие. Подлинное мастерство Эдуарда Морозова


Жемчужина


Жемчужина (Рождение новой жизни)

Надин Роббинс родилась во французской семье художников. Девочка с рождения впитывала атмосферу творчества. Родители Надин были талантливы не только в живописи, но и в других сферах искусства. Девочку не ограничивали в выражении своего творческого потенциала. Вероятно, еще в детстве Надин начала формировать свой собственный уникальный стиль, унаследовав не только талант, но и свободу мыслей.

Образование Надин Роббинс получала в нескольких странах. Это Великобритания, Франция и США. В Лондоне студентка училась в политехническом колледже, затем вернулась в Париж, где стала студенткой местного колледжа. Диплом девушка получила уже в Нью-Йорке. Она стала бакалавром искусств в сфере графики. Несмотря на постоянную смену мест учебы и стран, Надин никогда не забывала о своем увлечении живописью, и с каждым днем эскизы и наброски удавались ей все лучше и лучше. Окончив учебу, Надин занялась бизнесом. Она создала собственную фирму, много лет владела успешным бутиком графического дизайна. Но любовь к искусству взяла верх. Сегодня Надин Роббинс живет и работает в Нью-Йорке.

Современный стиль американской художницы, дизайнера и фотографа Надин Роббинс отличает виртуозное владение академическими техниками рисования и непочтительность к правилам и гендерным представлениям о красоте. Работы Надин – это свободный полет мысли, полная раскованность в движениях и позах. Художница особое внимание уделяет женской социальной роли. Она отходит от общепринятых стереотипов и показывает характер своих героинь. На первое место Надин ставит гордый нрав и уверенность в себе. Можно сказать, что Надин пишет в стиле современного реализма и суперреализма, она рисует каждую деталь с особой тщательностью, как и положено мастерам этих направлений, но её работы лишены тяжелого символизма, который так любят представители искусства прошлого века.

Помимо портретов, художница пишет не менее интересные натюрморты. Это так называемая «устричная» серия работ. На этих картинах Надин с особой тщательностью и помпезностью изображает устриц, которые поданы к столу с лимоном и бокалом вина. Натюрморты излучают роскошь и богатство. Надин видит в устрицах нежность, женственность и интимность. Люди это видят в устрицах уже больше двух тысяч лет и поэтому считают их афродизиаком.

Надин Роббинс: «Мой способ работы – это сочетание цифровых технологий, фотографии и, самое главное, трудоемких и сложных техник масляной живописи, основанных на традициях ателье. Я начинаю с фотографии своего объекта и использую проекцию изображения в качестве основы для многослойного рисования на холсте, рисования и перекомпоновки линий, комбинирования скипидара и масла, блокирования основы для достижения ценности и цвета. По ходу я добавляю масло в среду, чтобы добиться эффекта «мокрый по мокрому», улучшая световые эффекты и темноту… Ощущения – важная часть моей практики. Например, интимность и некоторая нежность также лежат в основе моей серии натюрмортов Устриц. Эти исследования внутренней красоты таких суккулентных существ выражают определенную твердую оценку тактильного, женского начала и, как такового, моей идентичности как женщины».

Авторский сайт художницы https://www.nadinerobbinsart.com/oysterpaintings


The Painted Oyster, 2018, Oil on linen, 14" x 11".


Pearls, 2019, oil on linen, 8”x8”.

Источник информации http://hiero.ru/Vilvarin

Виртуальная галерея Татьяны Кузнецовой  http://art.adeskmath.com/index.php


"Жемчужина вселенной"

Игорь Зенин Кишинёв https://photosight.ru/users/48265/;  http://www.lifeisphoto.ru/page.aspx?id=7042

Игорь Зенин – замечательный мастер художественной фотографии.  Его работы хорошо известны в Европе далеко за пределами своей родной страны Республики Молдова. Объектив талантливого фотографа захватил много значительных событий и известных людей.  Великолепными работами Игоря Зенина можно любоваться и пересматривать бесконечно.

В 2007 году более 80 работ  Игоря Зенина экспонировались в Страсбурге в ходе зимней сессии ПАСЕ. Более поздние работы фотохудожника появились на обложках нескольких изданий Совета Европы. В январе 2012 года  Игорь Зенин присоединился к Fine Art Америка, эта независимая компания поддерживает сотни тысяч независимых художников и фотографов со всего мира.

О мастерстве фотохудожника лучше всего говорят его работы.  В которых прослеживается глубокий смысл  удивительных  и оригинальных композиций, потрясающая красота, нежность и доброта. От творений трудно оторвать взор, они зачаровывают.Игорь Зенин – фотохудожник , который творит, вкладывает в изображение душу, заставляет своё творение «ожить». Он может преобразить любой мотив и создать нужное настроение.  Игорь Зенин –  фотохудожник, который разбирается в особенностях и тонкостях света и в совершенстве  владеет современными фототехническими средствами.
Источник информации https://www.liveinternet.ru/users/2496320/post415851830/


Рождение планеты


Афродита 2

Александр Маранов – это художник, из-под кисти которого выходят уникальные, ни на что не похожие работы. Глядя на них, кажется, что автор писал их светящимися красками – так сильно сияют они. Но на самом деле всё гораздо сложнее и интереснее! Оказывается, это не просто картины, а картины-видения! Александр Маранов, член Союза художников Узбекистана, а также Международной Федерации художников при ЮНЕСКО, дал альманаху Artifex эксклюзивное интервью, в котором раскрыл секрет своей неповторимой живописи.

Artifex: Вас называют художником-космистом. Расскажите подробнее об этом направлении.

В обыденной жизни принято называть космосом научную фантастику. Но космизм – это совершенно другое. Это энергия и знание, кто мы, откуда, из чего. Это намного глубже и интереснее. Поняв это, мы достигнем очень многого в искусстве и науке. Меня всегда не покидала мысль: «Откуда всё происходит? Как это выглядит?». В 1992 году у меня начался кризис в искусстве: я понял, что не могу работать по-старому, но не пришёл к чему-то новому. Тогда произошло видение.

Далее https://artifex.ru/живопись/художник-космист-александр-маранов/



Маранов Александр Борисович родился в 1962 году. С отличием окончил художественное училище им. П.П. Бенькова и Ташкентский Государственный Театрально-художественный институт им. А.Н. Островского.

Член Союза художников Узбекистана и Международной Федерации художников при ЮНЕСКО. Александр Борисович занимает особое место в ряду художников-космистов, как настоящего времени, так и прошлого столетия. Художник, несомненно, обладающий огромным чувством интуиции и высокоразвитым мастерством, смог ощутить существование иного, более тонкого мира. Он запечатлел этот мир в образах на своих полотнах, главный герой которых – Свет.

Картины Александра Маранова пульсирующие, живые и не просто гармоничные, но и гармонизирующие по своей природе. Ранние работы художника были выполнены в традиции реалистического живописного искусства. В Москве начала формироваться его новая, уникальная живописная манера, которая до сих пор не обрела своего названия. Его работы иногда называют картинами-видениями, а их автора причисляют к художникам-космистам.

За этот период Александром Марановым созданы два цикла произведений - «Сияние» (1992-1998) и «Грань» (1998-2008). Главной действующей субстанцией в них является свет, потоки которого заливают полотна, сгущаются, обретают цвет и форму – и это роднит новую живопись Александра Борисовича с музыкой.

Художник участвует во всесоюзных и зарубежных выставках. В том числе персональные и коллективные выставки в музее Н.К. Рериха (2002, 2003, 2006), ЦДХ на Крымском Валу (1999, 2001, 2003, 2004), Дом Художника на Кузнецком мосту (1997), «Арт-Салон в Манеже» (2001, 2002, 2003, 2004), «LuxArt Salon» (2004), а также в муниципальных и частных галереях г. Москвы (1995-по настоящее время).

Работы находятся в музее Н.К. Рериха (г. Москва), музее Востока (г. Ташкент), Академии художеств (г. Ташкент), корпоративных и частных коллекциях в России, США, Германии, Испании, Хорватии, Франции, Швейцарии, Италии.

Его часто спрашиваю о том, как рождаются образы написанных им картин. Он говорит, что от самых разных причин. Иногда образы возникают от прочтения художественной литературы. Иногда идеи приходят во время зарисовок, набросков. Много образов пришло под музыку Вивальди, Баха, Чайковского. Александр выключает свет, закрывает глаза и отдается музыке, вылавливая образы будущих картин, высматривая и создавая их сантиметр за сантиметром. И пока картина не сложится полностью, он не приступает к ее созданию на холсте. Иногда на это уходит не один месяц…

Художник рассказывает, как проходит его рабочий день: «Я прихожу в 9−10 утра и прежде всего, начинаю медитировать. Через полтора − два часа я сажусь за мольберт и начинаю писать до 6−7 вечера. Когда я рисую, то стараюсь не отвлекаться ни на что – даже на обед, потому что тогда рвётся тщательно налаженная связь, контакт с картиной. Я начинаю видеть ритмы, которые составляют линии и светящиеся точки. Самое интересное, что из них складывается всё вокруг. Оказывается, это резонаторы, которые проводят энергию. Из этих ритмов появляется множество Вселенных. Там нет ничего лишнего. Их невозможно изобразить. Когда я пишу, моя рука сама двигается. Она сама начинает писать это свечение».

Авторский сайт http://www.maranov.ru, http://vk.com/amaranov



Рапсодия



Грань



Отражение

Подборка картин https://neznakomka-18.livejournal.com/244204.html